No hay duda: la magia de esta modernidad es que podemos estar sin estar. Es decir, lo que nos permite el internet y herramientas como Zoom, etcétera, es “casi” estar en presencia de con quien elijamos en cualquier lugar del mundo.
Así lo he hecho para realizar esta entrevista con el pintor Francisco Arroyo Ceballos, quien ha asegurado en otras entrevistas que se considera artista desde su nacimiento, pues ha incursionado en todas las ramas de las artes: música, escultura, poesía, escritura, hasta llegar a la pintura, que es el oficio dominante en su vida y el tema por el cual yo le he contactado.
Su recorrido es extenso y se resume en más de 150 muestras que abarcan más de 15 países. Cuenta con obra en más de 30 museos e instituciones de 11 naciones.
Nació en Córdoba, España, de madre madrileña y padre salmantino. Sus primeros pasos en la pintura los da de la mano de su madre, una pintora realista “a la cual sustraía con cariño pinceles y óleos como básica necesidad creativa realizando mis proyectos iníciales en estilo naif y un semicubismo, aunque más tarde se vio que esos estilos no eran para mí”.
De familia acomodada, tuvo por suerte poder iniciarse en diferentes artes fruto de su total incapacidad por “estarse quieto”, rememora.
-¿Cuál fue la influencia de sus padres en su futuro como artista?
Mi madre propició mis primeros pasos en la pintura cediéndome materiales de todo tipo, pero lo más importante que veo en el posicionamiento de mis padres al respecto de mi proyección o posicionamiento en las artes fue el de “dejarme hacer”, el de permitir mi libertad a la hora de seleccionar mi propia vía de escape de sentimientos y emociones, mi propio sentido expresivo y postura ante lo cultural.
-¿Qué circunstancias la acercan al arte y que le atrae hacia la pintura?
A hoy no tengo claro el porqué de la pintura. Tal vez porque era lo más fácil para las primeras muestras y ello creó una costumbre o tal vez porque los diversos formatos a ser utilizado la hacían más asequible.
Sí recuerdo que estaba en casa pintado con un amigo y llegó a nuestras manos una propaganda de un concurso de pintura en el que ilusos de nosotros participamos. Cuál fue la sorpresa cuando nos comunicaron que habíamos sido seleccionados por lo menos para la exposición de premiados y seleccionados. Ahí fue donde comenzó todo.
Lo primero que me atrajo, pienso, que fue la capacidad de desarrollar esta faceta individualmente ya que con anterioridad había incursionado en el mundo de la música en el cual tenía que depender de un conjunto de personas.
-¿Cómo descubre el arte como forma de expresión y que reacción tiene al saberse creador de mundos nuevos?
Asimilo el arte como forma de expresión y en su conjunto; años después cuando por mi autodidactismo y propia investigación descubro mi tan reconocible técnica, lo que llamo mi descubrimiento matérico, mi particular técnica mixta que aplico tanto a pintura, escultura como instalación artística. A raíz de ello vinieron los primeros reconocimientos y todo comenzó a fluir.
Especialmente, adoro el adentrarme en nuevos proyectos, el comprobar que realizo cosas reconocibles y que mi línea es singular lo que valoro como rasgo más importante para un artista.
-¿Cuál, inicialmente, es la expresión artística que usa para narrar su creatividad?
Hiperactividad abstracta. Soy un gran hacedor o inventor en todas mis diferentes facetas. Me gusta componer un mundo paralelo en el que todas ellas forman parte de un todo.
-¿Qué fue lo primero que hizo y que ustred vio que había gustado a quienes vieron su trabajo?
Lo primero que valoré fue cuando mi obra fue reconocida por personas ajena a mi familia y amistades. Pienso que eso es lo más importante para un artista, por cuanto no están influenciados por ningún tipo de lazos.
No recuerdo lo que hice, pero sí recuerdo con claridad que fue un gran aliciente para continuar.
-¿Por qué se decidió por el arte como forma de pronunciarse ante el mundo?
Desde muy chico escribo, pinto, hago música, escultura y demás. Está claro que el artista nace.
-¿En qué momento se siente reconocido como artista y en qué circunstancias?
Lógicamente cuando empiezo a recibir los primeros galardones los cuales recuerdo con cariño que se me otorgaron en Argentina. Llegó un momento que tuve claro que mi obra tenía que ser reconocida fuera para serlo dentro y así hice.
-¿Cuáles considera usted que son las condiciones que hace de alguien un artista?
No hay condiciones. Para mí no hay proceso para ser artista sino que nace de dentro del ser, es innato y le lleva a salir como tal. No creo en escuelas de arte como hacedoras de artistas, las considero positivas en cuanto a aprendizaje de técnica, pero negativas ya que hay muchos que terminan siendo copia de sus maestros y eso no es ser artista.
-¿Qué cree que predomina hoy en el llamado mundo del arte: el comercio o el talento?
Hay de todo, pero es innegable que lo económico domina desde hace mucho el arte, bien llamado mercado del arte. Prueba de ello es la llegada del hamparte que tanto daño ha hecho provocando ilógicas fluctuaciones e incomprensibles mercadeos.
En redes sociales se puede comprobar el excesivo talento que hay, pero el comercio está matando el verdadero arte y al verdadero artista.
-¿Sí hay en las galería aprecio por el arte como tal, o solo ven las posibilidades comerciales de una artista?
Son pocas las galerías que se centran en el arte por el arte, ya que tienen que sobrevivir. Ello no quiere decir que no lo aprecien y sepan de calidades, pero está claro que priorizan en la mayoría de casos lo comercial y vendible, lo que produce riqueza.
-¿Se deja manipular el público por las ofertas comerciales o cada vez aprende más a valorar una obra por las calidades artísticas que contenga?
El público en general es totalmente ciego y se deja guiar. Está claro que también atiende a sus gustos, independientemente de que esté de moda o no, pero en general se deja llevar por esas modas y charlatanes de lo económico. Son un grupo reducido los que entienden de calidades reales.
-¿Cómo define su trabajo y su propuesta pictórica?
Mi apuesta gira en torno al minimalismo, tengo una obsesión por plasmar y transmitir el todo con la mínima expresión. Para ello me valgo de la abstracción simbólica en técnica mixta sobre madera u ocumen.
-¿En qué consiste su trabajo como artista actualmente y cómo se inicia en el piramidismo cromático. Cómo lo ubica y define?
Hace pocos meses descubro, por mi gran amistad, con mi amigo el maestro mexicano Ernesto Ríos, su nuevo proyecto centrado en el piramidismo cromático y su colaboración con GOTASI.
Es entonces cuando indago las características de este estilo y con sorpresa compruebo que desde 2019 llevaba realizando una serie centrada en el movimiento y la vibración. Contacto con ellos y me confirman que está dentro del movimiento pasando a ser el primer europeo en realizar este estilo.
-¿Qué tan receptiva es la sociedad a esta nueva propuesta desde el arte?
En principio puedo indicar que, con el poco conocimiento que se tiene de ello, se muestra en carácter positivo, tal vez debido a lo novedoso y colorista de la propuesta.
-¿Qué es para usted el arte?
Para mí el arte es necesidad y sentido de vida, es escape y búsqueda de la razón ante los cambios sociales que nos atenazan; es libertad y necesaria vía de educabilidad social, es referente de cada época, sus gentes y cultura, por tanto de su devenir.
-¿Para qué sirve el arte en una sociedad tan banal como la que hoy vivimos?
Como he indicado, el arte es cultura y por tanto necesaria vía de transmisión de enseñanza: el arte provoca sentimiento y emoción, rasgos positivos a la hora de una correcta proyección social.
-¿Cuál cree que es el papel del arte y en especial en una sociedad que cada vez parecería más insensible a las propuestas artísticas?
Su papel es el de enaltecer lo educacional y el saber; procurar llevar cultura a un mayor número de población. Provocar, con sus cambios, que el público pierda esa insensibilidad inducida en gran medida por últimas tendencias incomprensibles y desechadas por un gran grupo social que ni las entiende ni valora por cuanto piensa que son invenciones económicas que para ser sinceros no están exentas de verdad.
-¿Hábleme de su trabajo piramidista: formato, colores que más le gustan etc.?
Mi labor en cuanto al piramidismo es muy extensa y variada. No se centra en formatos y tonalidades especiales sino que conforma un amplio espectro, dependiendo de la necesidad expresiva del momento.
Mis preferencias fluctúan dependiendo del concepto y la forma a ser transmitida, de la necesidad por conectar de manera fehaciente con el espectador”.
-¿Cuáles son las motivaciones principales para realizar sus obras de piramidismo?
La principal motivación es el ansia por nuevo retos y descubrir nuevas vías de expresión. Me llama mucho la atención el proceso colaborativo que implica acercamiento a otros artistas piramidistas y su evolución por regiones o países según costumbres.
-¿Qué sensaciones busca alentar en quienes se acercan a su trabajo?
Lo único que pretendo es que el contemplador se encuentre a gusto, que asuma el sentido de la obra y lo tome para sí, que contemplando intervenga en este proceso creativo del que es parte fundamental.
-¿Qué no ha podido lograr como artista?
Está claro que lo que no he logrado es realizar los grande proyectos que tengo en mente, proyectos monumentales que sin una financiación muy grande no son posibles.
-¿Qué proyectos tiene a mediano y largo plazo?
Mis proyectos se centran en la presentación de obra realizada en este último año y medio. Me gustaría ir ampliando el número de personas que puedan acceder a la misma mediante la mayor implantación digital y, lógicamente, cumplir mis sueños, que entre otros está la exposición individual en Nueva York.
-¿Un mensaje reflexión para los artistas colombianos y para los del mundo en general?
Mi referente: hacer lo que a uno le llene el alma y luchar sin descanso por ello ya que es la única forma de llegar a la meta de todo artista, que no es otra que la de hacer llegar su obra, y por tanto, su “yo” interior al mayor número de gente posible.
-Una frase que sea motivación para seguir adelante:
Lo más que pueden decir es no.
